★★★½ | BlacKkKlansman (Opération infiltration)

Réalisé par Spike Lee | Dans les salles du Québec le 10 août 2018 (Universal)

Avec BlacKkKlansman (Grand Prix du jury lors du dernier festival de Cannes), Spike Lee nous propose de retourner dans les États-Unis des années 1970 pour mieux constater que les problèmes d’inégalités raciales sont toujours bien présents près d’un demi-siècle plus tard. Pour étayer son constat, il opte pour une approche flirtant avec la comédie et prend bien soin d’éviter d’être trop polémique, et donc de provoquer des tensions au lieu de les apaiser. Le mode léger pour lequel il a opté facilite sa démarche. Non seulement en effet il nous montre une intégration presque idyllique d’un policier noir dans un service de police jusqu’ici 100% blanc (le seul policier raciste sera vite confondu), mais il prend aussi soin de ne pas faire des membres du KKK ce qu’ils sont réellement. Ils sont en effet dans son film plus benêts que vraiment méchants… et d’ailleurs presque sympathiques. Lee poursuit cette même logique pour l’ensemble de son travail d’écriture. Si le film est techniquement irréprochable, l’écriture semble beaucoup plus insouciante que rigoureuse, et de nombreuses incohérences marquent la progression du récit. Mais elles sont si omniprésentes qu’elles sont forcément assumées… et elles représentent paradoxalement une force. Elles désamorcent en effet constamment toute la violence sociale du film et empêchent ce dernier de basculer vers un radicalisme trop virulent. En passant son message sur un mode léger, Lee a probablement plus de chances de toucher une cible plus ou moins conquise d’avance.

On pourrait alors reprocher au cinéaste de ne pas prendre son sujet à bras le corps, mais la fin nous interdit de formuler un tel constat. Lee y ose en effet une pratique souvent maladroite (intégrer des images d’archives avant le générique), mais pour une fois, la pratique fonctionne: ces images d’actualités récentes, et avec elles son constat que la situation raciale aux États-Unis est toujours aussi problématique, viennent contrebalancer le ton léger du film pour nous envoyer une réalité en pleine face et nous dire que si tout est possible dans une fiction (notamment s’amuser de problèmes qui finiront par se résoudre à la fin), la réalité est tout autre.

Ce constat amer donne à rebours encore plus de force au reste du film, qui avait préparé le terrain sur un mode léger en prenant soin de ne surtout pas trop exacerber certaines tensions… pour aider les dernières minutes à faire mouche avec encore plus de force.

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Locarno 2018 | ★★★½ | L’époque

Réalisé par Matthieu Bareyre

Paris. 2015, 2016, 2017. Voilà le point de départ de L’époque. À partir de cela, Matthieu Bareyre dresse le portrait d’une certaine jeunesse française, entre les attentats de Charlie hebdo et la présidentielle de 2017.

Pour y parvenir, il arpente le Paris des bars, des rues ou des manifs, rencontre des jeunes issus des beaux quartiers ou des cités, des dealers ou des étudiants, des DJ ou des activistes (eux-même non-violents ou membre des Black Blocks)... Mais tous ces jeunes sont-ils vraiment représentatifs d’une époque comme le laisse supposer le titre? Peut-être pas. Sont-ils même représentatifs d’une génération? Probablement pas non plus, car la jeunesse française n’est pas uniquement parisienne et noctambule comme celle rencontrée dans le film. Mais finalement, ce titre trompeur importe peu, car Matthieu Bareyre parvient avec une force rare à nous faire partager l’air du temps à travers ses rencontres, toutes passionnantes et complémentaires. Quels que soient les profils des personnes interrogées, il sait leur parler, les écouter, les relancer quand il faut, et surtout les mettre à l’aise.

Mais ses qualités ne sont pas seulement humaines. Elles sont également cinématographiques. S’il sait familiariser ses interlocuteurs avec sa caméra, il sait aussi utiliser celle-ci pour capter des moments de vie, des lieux, des impressions. Son travail de montage est également particulièrement réussi. Qu’il s’agisse du montage image (signé Matthieu Bareyre, Isabelle Proust et Matthieu Vassiliev) ou son (Stéphane Rives), il évite au film d’être une succession de rencontres filmées face caméra, mais donne au film une respiration, une cohérence. Il contribue à la restitution de l’air du temps, à cette ambiance du Paris nocturne, c’est-à-dire un univers où le réel se fait tour plus léger et plus grave, où les craintes, les angoisses, les espoirs et le désir d’exister ou de combattre se font plus grands.

Cependant, ce documentaire à la fois beau et touchant comporte une faiblesse qui provient paradoxalement d’une de ses plus belles rencontres: Rose. Elle aurait pu à elle seule être le sujet d’un film, et il est probable que Matthieu Bareyre partage ce sentiment. D’ailleurs, il lui accorde une place particulièrement grande, qui représente justement cette faiblesse: le déséquilibre finit par fragiliser l'amalgame qui soudait entre eux des éléments pourtant très différents.

Ce défaut n’empêche cependant pas le film d’être un très grand documentaire, qui marquera probablement son époque. Malheureusement, nous ne pouvons nous empêcher de penser qu’il aurait pu être encore plus que ça. Mais il ne s’agit que d’un premier long-métrage. Laissons à Matthieu Bareyre un peu de temps avant de lui demander de signer un chef-d’oeuvre!

(Film visionné dans le cadre de notre collaboration avec Festival Scope | Film disponible gratuitement sur cette plateforme en août 2018, sous réserve des places disponibles).

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Locarno 2018 | ★★★★ | Sophia Antipolis

Réalisé par Virgil Vernier

Une jeune femme consulte un chirurgien pour une augmentation mammaire, une association ésotérique prépare la reconstruction du monde de demain, une milice parcourt Nice et sa région pour faire le travail d’une police défaillante…

Un bref résumé suffit à faire comprendre que le dernier long-métrage de fiction de Virgil Vernier n’est pas à classer avec le tout-venant. Cependant, s'il passe d’un personnage à l’autre, apparemment sans préoccupation narrative, il ne les traite jamais à la légère. En quelques plans (d’une précision graphique remarquable mais jamais étouffante), en quelques phrases, en quelques situations, il leur donne vie et parvient à nous faire comprendre leur envie de s’entourer des autres pour ne pas être seuls face à un monde de plus en plus complexe, un monde qui leur inspire des craintes sans jamais leur apporter de réponses. Car non seulement le cinéaste aime ses personnages, mais il sait les laisser vivre, il sait les observer, il sait en faire surgir les failles sans en avoir l’air. C’est par ce biais qu’il donne à son film une cohérence. Tous ces personnages cherchent à améliorer un monde à leur façon: Améliorer son petit monde adolescent (la chirurgie), celui de demain (le groupe spirituel) ou celui d’aujourd’hui (la milice). Mais au-delà de ce portrait impressionniste d’un monde qui se cherche, déjà brillamment exécuté, Vernier va plus loin dans les dernières minutes. Pour conclure, il s’arrête en effet sur une jeune femme, probablement le personnage le moins déconnecté de la réalité de tout le film. Il la filme avec la même justesse, le même respect, la même sensibilité que tous les autres… mais elle possède la lucidité que les autres n’ont pas. Elle ne maîtrise pas la marche du monde, ne cherche pas forcément à la bouleverser, mais apporte quelques réponses (et avec elles, des liens entre tous les éléments du film).

Elle est en quelque sorte comme le film de Vernier. Tous les deux, ils ont côtoyé des êtres submergés d’illusions en raison d’une quête improbable de réponses inexistantes. D'ailleurs, comme le cinéma de Vernier (avec une manière toute particulière, pour le cinéaste), elle reste dans le réel. Peut-être a-t-elle déjà compris, comme Vernier, que c’est en lui faisant face qu’on peut essayer de le comprendre un peu mieux.

(Film visionné dans le cadre de notre collaboration avec Festival Scope | Film disponible gratuitement sur cette plateforme en août 2018, sous réserve des places disponibles).

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